Favoritos do Plano Crítico | Filmes

Minha paixão por cinema vem desde muito pequeno. Quando era criança e até adolescente brincava de criar filmes com um dos meus melhores amigos. A gente criava a concepção toda do filme, fazia desenhos, explicava os roteiros e tínhamos até nossas próprias empresas imaginárias que produziam os filmes. Hoje pode parecer bobo, mas eu vejo como influenciou meu gosto pela arte e incentivou minha criatividade e imaginação. E alguns dos gêneros que mais me fascinaram nessa época continuam entre meus preferidos: aventura, fantasia, animação, super-heróis. Além de outros que viriam me conquistar a medida que eu amadurecia (drama, musical, western). E parte de todas essas minhas influências podemos ver aqui nessa lista de filmes preferidos.

Evil Dead 2 – Uma Noite Alucinante

Evil Dead 2 | Sam Raimi | ?? 1987

Sam Raimi fez o filme de terror mais bad ass e divertido que já assisti. Acompanhar uma noite em que Ash enfrenta demônios e eventos inusitados usando uma motosserra no lugar da mão é um deleite sem tamanho. Hilário, divertido e perturbador. Ash é o maior herói que os filmes de terror já viram.

Hotaru no Haka | Isao Takahata | ?? 1988

Todo mundo que já assistiu essa obra do Takahata sabe a tristeza desoladora dessa obra, que até me deixa com receio de colocá-la nessa lista. Mas a verdade é que poucas obras me fizeram sentir a angústia que Túmulo dos Vagalumes me promoveu, me fazendo contemplar não puramente o nível de injustiça que há nesse mundo, mas também o nível de amor que pode se existir. E a indagação mais bela e lamentável que já encontrei: por que os vagalumes morrem tão cedo?

Jurassic Park: O Parque dos Dinossauros

Friday The 13th Part VII – The New Blood | John Carl Buchler | ?? 1987

Como não respeitar o filme e a franquia que te colocou na rota dos filmes? Sexta-Feira 13 tem o seu lugar na história do subgênero slasher, bem como em minha vida. Segundo levantamento feito na ocasião de Como e Por Que Sou Crítico de Cinema, livro que considero uma carinhosa publicação autobiográfica, Sexta-Feira 13 Parte 7 – A Matança Continua foi o primeiro filme que lembro ter assistido em minha vida. O discurso da memória, sabemos, é falho, nebuloso, traz incongruências, mas lembro com carinho que a produção foi gravada em fita VHS por um primo enquanto acompanhávamos o filme numa exibição televisiva, em 03 de junho de 1991 (ao menos foi o que me disseram com base em registros quando procurei os arquivos da rede transmissora para pesquisar a informação). É bem provável que não tenha sido exatamente o primeiro, pois minha mãe, responsável por minhas inclinações literárias e cinematográficas, me fazia ser um espectador dos clássicos da Sessão da Tarde enquanto executava as lições de casa. É preciso levar em consideração que a sexta parte foi transmitida um ano antes. No entanto, será que eu assisti a sua reprise? Não sou capaz de “afirmar”, mas o sétimo filme é o primeiro visto numa postura de entretenimento cinéfilo consciente. Hoje eu tenho noção dos problemas de ordem dramática e estética na franquia, mas jamais vou desconsiderar o seu lugar em minhas bases. Não ter assistido ao filme para os comentários no dia seguinte na escola era como não vestir rosa nos dias de quarta-feira (saiba mais em Meninas Malvadas). Ademais, tanto esse quanto os demais da franquia eram conferidos em grupo, com pipoca e comentários sobre cada cena. Fazia-se concurso de desenho e até “brincávamos” de Jason. Mais cinéfilo que isso, impossível!

The Silence of The Lambs | Jonathan Damme | ?? 1991

Quando conferido na primeira ocasião de uma exibição televisiva, O Silêncio dos Inocentes não teve o mesmo impacto que a fruição na posteridade, algo em torno de uma década após o contato inicial com os personagens criados por Thomas Harris em seu romance homônimo, comandados pela direção segura de Jonathan Damme na premiada e luxuosa produção de 1991. Jodie Foster e Anthony Hopkins transformaram o filme num espetáculo dramático intenso, haja vista os desempenhos de seus personagens, Clarice Sterling e Hannibal Lecter, respectivamente, figuras mergulhadas numa jornada orquestrada pela igualmente brilhante trilha de Howard Shore. Dos diálogos afiados ao traquejo da direção de fotografia na condução da narrativa, O Silêncio dos Inocentes é um dos grandes filmes da história do cinema, eficiente na manipulação da linguagem audiovisual, no equilíbrio do suspense e na maneira como aborda a violência sem cair no discurso de vulgarização da morte de uma produção slasher qualquer.

Thelma and Louise | Ridley Scott | ?? 1991

A jornada feminina e feminista de Thelma & Louise, personagens de Genna Davis e Susan Sarandon, dirigida por Ridley Scott com base no roteiro de Callie Khouri é uma alegoria para a nossa travessia cotidiana em cada dia de nossas vidas. Erros e acertos, momentos de dificuldade e outros de esperança, tudo isso está no premiado drama que retrata a vida de duas mulheres cansadas de suas estagnações sociais. Do carinho que tenho por uma das selfies mais famosas do cinema, ao desempenho dramático das atrizes num momento brilhante de suas carreiras, Thelma & Louise encontra-se entre os meus prediletos por seu desfecho “aberto” e simbólico que me faz lacrimejar só de lembrar, bem como por seus diálogos inteligentes e memoráveis. O desenvolvimento dos conflitos e dimensões psicológicas das protagonistas e uso de coadjuvantes nada aleatórios também me permitem colocar a produção no concorrido e injusto (mas necessário) patamar dos 10 filmes mais memoráveis de minha trajetória cinéfila. Não sei explicar, mas sempre que penso no drama e como elenca-lo em lista desses tipos, relembro de Filadélfia, Em Nome do Pai e Cinema Paradiso. Acredito que seja porque foram assistidos no mesmo período que reformulei o meu contrato com o mundo do cinema, ao ter a epifania sobre ser cinéfilo com Moulin Rouge – Amor em Vermelho, ocasião das diversas sessões no conforto do meu lar, enquanto meus amigos e alguns familiares viajavam ou pululavam pelas ruas ao som do tal contagiante carnaval de Salvador, em fevereiro de 2002.

Basic Instinct | Paul Verhoeven | ?? 1992

A relação com Instinto Selvagem dentro do meu esquema cinéfilo é algo semelhante ao encontro eletrizante de Hannibal e Clarice em O Silêncio dos Inocentes. Contemplado inicialmente numa exibição televisiva, o filme foi acompanhado por uma postura cinéfila ainda pulsante, mas não declarada. Ao ser revisitado recentemente, na ocasião da reescrita de alguns capítulos do livro O Cinema de Alfred Hitchcock, publicado em 2016, o clássico moderno tornou-se um dos suspenses mais intrigantes do cinema hollywoodiano em minha opinião, pois manipula a linguagem cinematográfica de maneira formidável, da direção de fotografia incrível de Jan De Bont ao som envolvente da textura percussiva composta para a trilha sonora assinada pelo veterano Jerry Goldsmith. O polêmico Paul Verhoeven dirige o roteiro de Joe Eszterhas e reapresenta uma nova versão de Sharon Stone ao mundo, antes eclipsada por filmes pouco empolgantes. Tudo é intenso demais no jogo erótico do filme que também apresenta um bom desempenho dramático de Michael Douglas, ator mergulhado na atmosfera neo-noir que compõe o chamado “Legado de Alfred Hitchcock”, afinal, há muitos elementos de Vertigo nesta trama cuidadosamente executada, relação metalinguística que também justifica a sua inclusão no livro mencionado anteriormente, também organizado com bases em filmes conectados ao eterno mestre do suspense.

Jurassic Park | Steven Spielberg | ?? 1993

Scream 2 | Wes Craven | ?? 1997

Wes Craven é o criador de dois universos cinematográficos que são idolatrados em minha jornada cinéfila e profissional. A Hora do Pesadelo e Pânico. Freddy Krueger e Ghostface. Duas franquias que poderiam ser apenas mais litros de sangue falso e investimentos em maquiagem para a composição da trilha de corpos na história do subgênero slasher. No entanto, os argumentos se transformaram em circuitos narrativos com potencial para discussões sobre o impacto do cinema em nossas vidas. Pânico 2 ainda é o meu predileto, não apenas entre as quatro produções da franquia, mas no panorama de filmes inesquecíveis. O amadurecimento de Sidney Prescott, a sua associação com a Escola de Teatro e o paralelo com Cassandra, personagem icônico da mitologia grega, juntamente com o magnetismo junto aos demais membros do elenco principal, isto é, Courteney Cox e David Arquette, além da coragem dos realizadores em ceifar a vida de figuras importantes do jogo tornam esta sequência tão incrível e ainda melhor que o seu antecessor. Ainda é preciso dizer que há acertos no filme dentro do filme, no debate sobre a polêmica em torno do suposto impacto da violência do cinema na vida real, além das estratégias narrativas mais elaboradas que demonstram evolução na dinâmica interna de um universo apresentado como franquia, hiperconectado em suas quatro partes.

Todo Sobre Mi Madre | Pedro Almodóvar | ?? 1999

O premiado drama de Pedro Almodóvar foi outra parte integrante do meu ritual de iniciação na cinefilia. Dos personagens incríveis aos diálogos inteligentes e humorados, Tudo Sobre Minha Mãe é um belo trajeto de figuras que se aproximam alegoricamente da minha realidade cotidiana. O filme retrata preconceito, maternidade, amor, paixão, mágoas, luto, renúncias e outros tópicos que se tornam ainda mais apaixonantes quando as conexões metalinguísticas com Um Bonde Chamado Desejo, de Tennessee Williams, e o formidável A Malvada, de Joseph L. Mankiewicz, clássico que representa o momento máximo na carreira de Bette Davis, grande dama do cinema clássico hollywoodiano. As cores intensas da direção de arte e a iluminação que transforma os desempenhos de Cecilia Roth e Penélope Cruz em pura aura dramática. Almodóvar brilha intensamente em tantos outros filmes, mas Tudo Sobre Minha Mãe será para sempre não apenas a sua principal referência no bojo do meu gosto pessoal, mas também em minha visão profissional sobre a linguagem cinematográfica.

American Beauty | Sam Mendes | ?? 1999

Sou apaixonado pela trilha sonora de Thomas Newman. É a textura percussiva ideal para acompanharmos os personagens de Allan Ball dirigidos por Sam Mendes num momento crucial de sua carreira. A jornada de Lester (Kevin Spacey) é uma alegoria para o desenvolvimento de nossas vidas em qualquer nação mergulhada nas opressivas dinâmicas do chamado capitalismo tardio. A sua trajetória dialoga com os coadjuvantes e todos juntos formam um microcosmo que espelha as angústias de uma vida voltada ao jogo das aparências. Se lançado na era das redes sociais, isto é, a fase da humanidade mais tenebrosa no que tange ao constante processo de manipulação das aparências, talvez Beleza Americana mantivesse praticamente toda a sua estrutura dramática, com poucas alterações no excelente texto de Ball e na forma como a direção de fotografia de Conrad L. Hall flerta com a linguagem clássica para retratar temas tortuosos. É o que chamo de perfeição na imperfeição. Os enquadramentos são milimétricos, o cálculo da luz é pontual e traz brilho para criaturas esmagadas por seus contextos de vida mergulhados na tristeza profunda, um paradoxo textual para um visual tão deslumbrante, esquema narrativo que Allan Ball traria depois para a excepcional jornada de cinco temporadas em A Sete Palmos.

Moulin Rouge | Baz Luhrmann | ?? 2001

Quando lançado em 2001, Moulin Rouge – Amor em Vermelho não apenas abriu as portas para uma nova onda de musicais na indústria cinematográfica, mas também foi o momento de minha maior epifania cinéfila. Percebi que não apenas curtia filmes como entretenimento, mas gostava de ir além e compreender os mecanismos que engendram o seu funcionamento enquanto arte multimodal. Na ocasião, descobri que Nicole Kidman se tornaria a minha atriz favorita, uma das damas mais versáteis e talentosas das artes dramáticas contemporâneas. Senti que havia algo de Madonna e Marilyn Monroe e seu personagem e essas descobertas ganharam mais sentido quando o filme avançou da seara cinéfila e se tornou parte de minhas experiências profissionais desde as primeiras palestras, aulas e outras interações com a exposição crítica da linguagem cinematográfica, mixada com traços do videoclipe, ópera, cultura pop, dentre outros elementos apaixonantes, da trilha sonora incrível ao desempenho encantador de Ewan McGregor como o pobre escritor a se apaixonar pela cortesã mais linda do cinema.

The Hours | Stephen Daldry | ???? 2002

A presença de As Horas nesta lista dos filmes mais memoráveis de minha vida não é apenas pelo desempenho dramático de Nicole Kidman, tão fascinante quanto os trabalhos de Meryl Streep e Julianne Moore. Dos três segmentos, gosto até mais do personagem de Clarissa, circundante no contemporâneo, interpretada por Streep. O que me faz um apaixonado pela narrativa é a sua estratégia de tradução intersemiótica do complexo livro homônimo de Michael Cunningham, premiada publicação com fluxo de consciência e de histórias em torno da figura enigmática de Virginia Wolf. A direção de Stephen Daldry é sutil, cuidadosa e esbanja harmonia ao dialogar com três personagens tão fortes. As cores opacas em contrastes com os pouquíssimos objetos de maior intensidade visual nos permitem adentrar neste universo de mulheres eclipsadas por seus respectivos conflitos internos e externos, numa narrativa que reflete a condição da mulher e a família como um espaço de violência. Ed Harris e Claire Danes, personagens com menor tempo em cena, mas com a mesma intensidade dos demais, completam as discussões empreendidas pelos dramas vivenciados em tela na trajetória das protagonistas. Ademais, o ponto alto de As Horas em minha vida é a sua trilha sonora, executada no momento em que escrevo esta lista para vocês, uma inebriante textura percussiva, espetáculo de música minimalista assinado pelo veterano Philip Glass, presença constante em momentos de leitura, escrita, reflexão, etc. 

Limite | Mário Peixoto | ?? 1931

Mário Peixoto teve um curta carreira cinematográfica. Produziu apenas um filme: Limite, uma obra-prima do cinema brasileiro. O solitário filme do diretor belgo-brasileiro conta três histórias distintas que se interligam pelo estado emocional dos protagonistas. Por mais que proponha um ritmo cadenciado de sua narrativa, Peixoto apresenta traços similares àqueles de Ingmar Bergman, como o recorrente uso de close shots em momentos de perturbação e a delicadeza do gesto humano perante a câmera. Com inúmeros flashbacks pouco delimitados, Limite expõe linhas temporais que se misturam e que não fazem questão estético-narrativa de introduzir ao espectador tais rupturas. Sua temática forte, aliada a meticulosa mise en scène de Mário Peixoto, é capaz de causar náuseas sartreanas e, talvez, cansaço ao espectador.

Window Water Baby Moving | Stan Brakhage | ?? 1959

Nunca na história um parto fora tão simbólico e poético quanto em Window water baby moving. Enquanto sua mulher estava grávida, o mestre do cinema experimental Stan Brakhage documenta os últimos dias da gravidez de sua esposa. Com ênfase na poesia e no lirismo, o diretor apresenta um ensaio sobre a vida. Brakhage utiliza planos intrusivos de sua esposa se contraindo, dilatações vaginais e, por fim, a própria criança vindo à vida. O diretor rememora os momentos de angústia pré-parto, justapondo-os à agonia de sua mulher agarrando sua mão enquanto dá à luz. Contrapondo imagens da plenitude e ansiedade da paternidade com a angustiante dor e sacrifício do parto, Brakhage desenvolve um bela dialética sobre o prazeres e dificuldades de ser pai. Sem nenhuma intervenção sonora, o processo do parto fica cru, despido de quaisquer intermediários externos.

Blow-Up | Michelangelo Antonioni | ?????? 1966

Diversas sinopses categorizam Blow-Up como um filme de mistério ou até mesmo suspense, devido ao simples fato de um assassinato marcar um ponto da obra. No entanto, a película de Michelangelo Antonioni segue a linha de dramas existenciais de seus filmes anteriores. Farto de viver em um mundo repleto de artificialidade, Thomas, um renomado fotógrafo de moda, acaba ficando perplexo com uma fotografia de um possível assassinato. Perseguido por modelos e por uma misteriosa mulher, Thomas acaba cada vez mais apático quanto a seu mundo de trabalho. Antonioni constrói uma atmosfera baseada na criação de expectativa, potencializando ações triviais que, ao final da obra, apresentam-se como eventos fortuitos da vida do protagonista.

Wavelength | Michael Snow | ???? 1967

Wavelength me foi apresentado durante aulas de cinema experimental na faculdade. Hoje, contabilizo cinco assistências dessa que considera a maior obra cinematográfica já realizada na história. Michael Snow é um artista único. Desde seus trabalhos plásticos até sua filmografia, o autor apresenta uma ideia ímpar sobre o veículo cinematográfico e, sobretudo, sobre os limites da visão e da percepção humana. Em Wavelength, um zoom que dura quarenta e três minutos ocupa a totalidade do filme. Sendo considerado um estudo metalinguístico, o filme de Snow cria uma mise en scène única que, além de despertar a consciência do espectador sobre as especificidades do aparato cinematográfico, desenvolve um experiência sensorial ímpar.

Morte a Venezia | Luchino Visconti | ???? 1971

Se em Crítica da Faculdade de Juízo Immanuel Kant estudou o belo, Visconti leva esses estudos para as grandes telas de cinema em Morte em Veneza. Em meio a uma epidemia de cólera, um renomado compositor se hospeda em um luxuoso hotel onde acaba se encantando com a beleza de um jovem garoto. Ao contrair a doença, o protagonista parece ter um único fio que o mantém preso à vida: sua paixão pelo adolescente. Luchino Visconti utiliza-se de uma linguagem suave, com planos longos e descritivo, evitando bruscos movimentos de montagem – podendo representar a epifania sentida pelo compositor. Com sutis olhares e uma câmera que persegue o objeto de olhar do protagonista, o filme do diretor italiano é uma adaptação que potencializa e ressignifica a obra homônima de Thomas Mann.

Trzecia część nocy | Andrzej Żuławski | ?? 1971

A nouvelle vague polonesa é marcada por retratar o horror da Segunda Guerra Mundial e suas consequências para o futuro do país. Em sua maioria, os filmes flertam com o grotesco para, através de metáforas, exprimir denúncias contra a violência cometida pelos soldados do Terceiro Reich. Andrzej Żuławski é um dos expoentes dessa vertente do cinema moderno e, em A Terça Parte da Noite, leva ao extremo as definições de violência. Após perder sua família, Michael junta-se à resistência contra soldados nazistas e encontra-se envolto em uma enigmática jornada de experimentos científicos. O diretor não tem pudor algum em lançar o espectador diretamente em chacinas por meio de planos invasivos, aproximando a câmera do rosto dos personagens com o uso de distorções de lente. Atuações exageradas que bebem da fonte do teatrólogo Jerzy Grotowski, auxiliam a compor uma mise en scène perturbadora, dando um caráter repugnante ao mundo no qual o filme está inserido.

F for Fake | Orson Welles | ?????? 1973

O cinema moderno tem seu início em uma obra de Orson Welles: Cidadão Kane. Seria ousado demais dizer que Verdades e Mentiras representa um divisor de águas no documentário? Talvez, mas mesmo assim, documentário (?) de Welles é um prato cheio para entusiastas da metalinguagem e das relações entre diretor e espectador. Instaurando debates acerca da confiabilidade do narrador, o filme de Orson Welles é sobre farsas. O protagonista é um falsificador de arte, Elmyr de Hory, e, portanto, criam-se questionamentos a respeito da labuta artística: quem é capaz de definir o que é arte e o que não é? Em uma de seus principais momentos, o diretor convoca o espectador a pensar nos motivos de um falsificador de arte não ser considerado um artista stricto sensu. Para ele, os reais falsificadores no mundo das artes plásticas são os curadores incapazes de distinguir um quadro autêntico e uma falsificação.

La Belle Noiseuse | Jacques Rivette | ???? 1991

Jacques Rivette marcou época durante a nouvelle vague francesa, mas o ápice de sua realização audiovisual se encontra em A Bela Intrigante. Ao longo de quatro horas acompanhamos a saga de Frenhofer, renomado pintor, em busca de inspiração para o desenvolvimento de sua obra-prima intitulada “A Bela Intrigante”. Encontrando sua musa na figura de Marianne, uma jovem amiga de sua mulher, o protagonista se vê obcecado por seu projeto artístico. Aqui, o espectador é jogado para dentro do ateliê do pintor, encenado com um preciso chiaroscuro e um sutil jogo de câmeras que dá valor aos gestos imprecisos do artista, criando um caráter misterioso ao local. Aproximando cinema e pintura, Rivette dialoga com o filme de Orson Welles ao desenvolver recortes críticos acerca da autoria e da representação imagética do real.

La Ciénaga | Lucrecia Martel | ???????? 2001

Lucrecia Martel é um ícone do novíssimo cinema argentino. Cotada para dirigir produções da Marvel, a diretora imprime um estilo que foge do usual. O Pântano é seu longa de estréia e já delimita uma estética seguida pela diretora em suas obras. Aqui, uma família de classe média enfrenta um forte calor e um episódio de acidente doméstico. Adolescentes e adultos entram em conflito enquanto buscam uma resolução para o problema. Martel desenvolve um universo letárgico por meio de sua auto-intitulada montagem-memória, que se baseia a partir das ações dos personagens, não buscando uma fluidez clássica. Flertando com o místico, a diretora parece deixar os espectadores distante da família, escondendo seus segredos e criando uma atmosfera de mistério.

Shijie | Jia Zhangke | ?????? 2004

Integrante de uma nova onda do cinema chinês dos anos 1990, Jia Zhangke tem em O Mundo a obra que melhor sintetiza suas principais aspirações dentro do mundo do cinema. Tendo visto ao longo de sua vida uma massiva modernização de seu país, o cineasta aborda as dores e as delícias de uma vida moderna, tecnológica. No filme aqui tratado, Zhangke nos apresenta a funcionários de um parque aos moldes do Epcot Center, onde os visitantes passeiam por diversas releituras de pontos turísticos ao redor do globo. A partir de uma mise en scène que apresenta os choques do novo e do antigo, do real e da representação, O Mundo consegue dar conta dos principais dilemas do mundo contemporâneo: a incomunicabilidade, a solidão e os novos meios de comunicação. 

Modern Times | Charles Chaplin | ?? 1936

Eu não costumo rir com filmes de comédia. Na verdade, qualquer obra que se encaixe nesse gênero é difícil me fazer rir. Eu gosto, me divirto, mas dificilmente rio. Tempos Modernos é uma das poucas capazes de fazer isso comigo e ainda diversas vezes. Adoro a arte de Chaplin em geral, é um dos meus diretores favoritos e não poderia deixar algo dele de fora dessa lista (apesar da dificuldade em escolher esse representante).

Once Upon a Time in the West | Sergio Leone | ???? 1968

Por conta desse filme e da Trilogia dos Dólares, Leone é um dos meus diretores favoritos. Mesmo que ame os três filmes protagonizados por Clint Eastwood, Era Uma Vez no Oeste é para mim a obra prima do italiano. Toda a sua técnica apresentada em sua forma mais plena compondo uma história com intrigas, reviravoltas e vingança ao som magistral de Ennio Morricone.

2001: A Space Odyssey | Stanley Kubrick | ???? 1968

A primeira vez que assisti a essa maravilha de Stanley Kubrick lembro de ter sido em minha casa e gostei bastante, mas tinha a impressão de não ao ponto da adoração que tantas pessoas têm pela obra. Foi somente após uma revisita, aí em uma sala de cinema, que me entreguei completamente.

The Godfather | Francis Ford Coppola | ?? 1972

F for Fake | Orson Welles | ?????? 1973

Orson Welles não é um dos grandes da história do cinema à toa. Ainda que filmes como Cidadão Kane, A Dama de Shangai e Macbeth sejam de muita qualidade e frequentemente citados entre suas as principais obras, minha favorita é Verdade e Mentiras. Lançado em 1973, esse documentário é dirigido de forma tão magistral por Welles que ficamos totalmente entregues a sua narrativa. Acreditamos no que ele quer que acreditemos e é incrível como ele parecer ter total domínio não só da arte, mas também da plateia, como se brincasse conosco a sua maneira. Além de meu predileto do diretor, é também meu documentário favorito da vida e, acreditem ou não, cabe muito bem para a época de produção em massa de fake news que vivemos.

Faa Yeung Nin Wa | Wong Kar-wai | ???? 2000

Esse foi um acréscimo bastante recente a minha lista de filmes favoritos. Assisti pela primeira vez em torno de uma semana antes de escrever esse texto. O que o fez assumir um status de predileção tão grande e tão rápido é a forma como Wong Kar-wai nos expõe essa história de amor. Nunca vi uma direção tão sensível e que abordasse o amor de uma maneira tão encantadora e, ao mesmo tempo, tão triste. Ainda que os sentimentos das personagens estejam cristalinos como a mais pura água, tudo o que os envolve, tanto pessoal quanto socialmente, impede que tornem realidade o seu mais ardente desejo. Um amor recíproco, porém descompassado.

Salinui Chueok | Bong Joon-ho | ?? 2003

Se Parasita é minha obra favorita do primeiro sul-coreano vencedor do Oscar de Melhor Filme, Memórias de Um Assassino vem logo atrás. Já ouvi e li em alguns lugares que essa seria a versão de Bong Joon-ho para Seven, de David Fincher. E, realmente, o filme lembra o de Fincher, com a diferença que é melhor. Quem assistiu, sabe. Quem não assistiu, assista e comprove.

Arrival | Denis Villeneuve | ???? 2016

Como citado na introdução, esse é o grande responsável pelo meu crescente interesse por tudo o que representa o cinema. A premissa de utilizar alienígenas como forma de discutir questões como comunicação e diferenças culturais, tanto entre humanos quanto entre raças planetárias distintas, é maravilhosa graças a excelente direção de Villeneuve.

Gisaengchung | Bong Joon-ho | ?? 2019

Mesmo que já tenham passado meses desde que assisti Parasita no cinema, a emoção que a obra causou em mim continua vivíssima. Lembro de ter ficado em torno de 10 minutos ofegante e com coração acelerado após o término da sessão, tamanho o impacto sentido. Assim como Leone em Era Uma Vez no Oeste, aqui vemos Bong Joon-ho apresentando seu melhor, em um filme imprevisível, lotado de críticas sociais e com excelentes atuações.

The Irishman | Martin Scorsese | ?? 2019

Martin Scorsese provavelmente foi o primeiro diretor que ocupou o lugar de favorito entre todos para mim. Sou um grande admirador de sua obra e, ainda que não tenha visto toda sua filmografia, é um dos realizadores que mais assisti em minha vida.

Il Buono, il Brutto, il Cattivo | Sergio Leone | ?? 1966

Hoje, western é um dos meus gêneros preferidos, mas demorei a dar uma oportunidade para esses filmes. Porém, quando isso finalmente aconteceu, tive sorte de começar por Sergio Leone, graças a insistência de uma amiga. Três Homens em Conflito foi a primeira obra-prima de velho oeste que assisti e me encantei imediatamente. Acredito que seja uma obra que mostra com clareza como histórias teoricamente simples podem ser contadas com maestria graças a um trabalho estupendo de direção.

The Godfather | Francis Ford Coppola | ?? 1972

Network | Sidney Lumet | ?? 1976

Vi Network quando comecei a cursar jornalismo. No início do curso, creio que todos os estudantes têm uma visão idealizada sobre a área, mas vamos desconstruindo aos poucos, pelo menos os que buscam senso crítico. Portanto, o filme de Lumet foi um verdadeiro soco no estômago na época, mostrando o lado tóxico e destrutivo da mídia e da indústria da informação. Aliás, sempre que revejo, me impacta. Considero um dos meus favoritos por isso.

Goodfellas | Martin Scorsese | ?? 1990

Scorsese foi o primeiro diretor que maratonei a filmografia completa e, apesar de considerar Taxi Driver seu melhor filme, Os Bons Companheiros certamente é o que mais me cativa e entretém. Acho a obra brilhante e cativante porque mostra como um longa pode ser “pop” e estilizado, mas sem perder o valor artístico. Não estou dizendo que foi Scorsese quem inaugurou isso, mas foi com ele que aprendi, justificando a presença na lista.

Groundhog Day | Harold Ramis | ?? 1993

Feitiço do Tempo é uma “lição de moral” precisa pra mim. Em alguns momentos, sou uma pessoa rabugenta e chata, preciso admitir. Por isso, por mais que não seja fã de feelgood movies, esse filme me convenceu de algo importante: por mais que um dia esteja uma porcaria, eu posso torná-lo melhor. Assistir o mau-humorado Bill Murray aprendendo isso na marra rendeu deliciosas risadas e essa preciosa lição, tornando-se minha comédia preferida. Claro que nem sempre eu consigo colocar em prática, mas me esforço.

Breaking the Waves | Lars Von Trier | ?? 1996

Lars Von Trier é um dos meus diretores preferidos e, apesar deste não ser seu filme mais comentado, considero o melhor de sua filmografia. Temas recorrentes na obra dele, como fé, melancolia e o valor por trás de gestos de sacrifício, estão presentes aqui, mas sem a pretensão exagerada de alguns filmes. Se tivesse que indicar apenas um filme deste diretor que admiro, certamente seria esse.

The Truman Show | Peter Weir | ?? 1998

Assisti Show de Truman na adolescência e foi esse filme que me fez buscar críticas de cinema. Além de ter adorado a história, quando terminei, senti que havia várias metáforas e interpretações no enredo, me incentivando a procurar textos sobre. Ou seja, teve um papel fundamental em me fazer pensar cinema além do que aparece explícito na tela.

Before Sunset | Richard Linklater | ?? 2004

É raro eu chorar com filmes. Não que eu tenha algo contra chorar, mas simplesmente não acontece comigo. Porém, Before Sunset me desidratou. A beleza do filme, a direção sensível de Linklater e o trabalho tocante do casal de atores, misturado com lembranças que tive assistindo, me emocionaram bastante. Nenhum romance me atinge tanto quanto esse.

El Secreto de sus Ojos | Juan José Campanella | ?? 2009

Assisti esse filme pela primeira vez com meu grande amigo Rodrigo Pereira em uma aula na faculdade sobre América Latina. Depois da sessão, tivemos uma ótima discussão com um dos nossos professores preferidos e, depois da aula, continuamos o assunto no bar, um dos nossos locais preferidos. Considero o longa uma obra-prima, Darin um ator brilhante e fico impactado com a abordagem sobre traumas, mas tenho carinho também pelo contexto que vi.

Doubt | John Patrick Shanley | ?? 2008

Minha família sempre foi religiosa e Dúvida surgiu em minha vida justamente em um momento que eu estava repleto de dúvidas sobre religião. O filme conta com um elenco espetacular, especialmente o saudoso Phillip Seymour Hofman, e a atmosfera melancólica imposta por Shanley é impressionante. Mas o que me fez apegar ao filme foram as reflexões sobre fé que surgiram a partir dele.

Ordet | Carl Theodor Dreyer | ?? 1955

Numa descrição simplista demais para um filme tão grande, pode-se dizer que é um teatro cinematográfico cristão que contém o milagre estático no movimento do cinema. Se você não acreditar nesse filme ou você não tem fé, ou ainda precisa compreender a misticidade do tempo cinematográfico que a imagem trabalhada por um diretor pode influir. Porém não se sinta pressionado, sem dúvida existem outros filmes que a sua fé vai ser reascendida, ou abalada para que você creia que existe algo além do que se vê pelos olhos, no entanto garanto que essa obra dinamarquesa é transcendental demais para ser ignorada.

Lawrence of Arabia | David Lean | ?? 1962

Cada filme é único, essa é minha crença. Até a obra mais reciclável e medíocre é única em si. Então posso afirmar que nunca no cinema irão tornar o deserto tão sublime como David Lean tornou. A definição do épico pessimista e humano está contido completamente nessa obra do protagonista branco conquistador que não compreende seu lugar. Como sou fã de Spielberg, que também era fã desse filme e de David Lean, indico o filme Império do Sol caso não queira ver mais de 3h de uma aventura na Arábia que vai mudar sua vida. Mas nada será comparada a profundidade imagética captada em cada cena do deserto desse filme. Não é poético, é sobrenatural. O crítico Roger Ebert quando tentou descrever como esse filme se tornava mais mágico dentro do cinema foi o que me fez ansiar assistir a obra de Lean além do conforto da minha sala. Como uma benção o meu pedido a Deus foi atendido, e ouvir o tema sonoro de Maurice Jarre com planos super abertos com aquele deserto escaldante no cinema foi como o corte clássico, histórico, presente no filme: ascende o fósforo e ao soprar o fogo o sol nasce na cena seguinte. Essa é a ideia.

2001: A Space Odyssey | Stanley Kubrick | ???? 1968

O clássico dos clássicos. Como você pode se impressionar com uma tela preta, apreciar um balé de naves de movimento lento e ritmado, e compreender a humanidade através de um robô personificado por uma luz e uma voz. Constata nesse filme como clássico nunca fica velho.

Close Encounters of the Third Kind | Steven Spielberg | ?? 1977

Para quem é fã do Steven Spielberg é difícil escolher um filme favorito, especialmente para representar simbolicamente. Eu poderia ter escolhido Jogador Número 1, um vislumbre recente de quem é essa grande diretor para mim, mas escolho o que recentemente considero a tradução a magia emocional, transcendente e inocente de Spielberg. Esse filme lançado no mesmo ano de Star Wars é o paradoxo inevitável do suspense inocente, daquilo que te deixa uma ânsia por descobrir o desconhecido que é tudo explicado apenas, realmente apenas na imagem. Não há verbalização, ou se encanta por tudo aquilo ou trata como uma loucura intrigante. Fico com o encanto pelo contato, um contato de terceiro grau que revela aspectos da realidade que a imagem desse configura em alienígenas e som visual, mas é muito mais que isso.

The Empire Strikes Back | Irvin Kershner | ?? 1980

Se o primeiro Star Wars de 1977 é a porta de entrada para uma ópera espacial de cultura própria, rearranjando inspirações dentro de uma narrativa clássica, a sequência é para quem realmente estava preparado para adentrar na galáxia muito distante, há muito tempo atrás. Cada espaço, cada cenário é importante para se ter o impacto de um novo mundo. Tudo se torna palpável e tudo se torna conectado. O grande plot twist do filme é isso, é o final máximo da aproximação do fã, ou o afastamento de quem espera um mero entretenimento. Em um filme que seus heróis são perseguidos, O Império Contra-Ataca é o desafio máximo para que se compreenda o porque cada frase do Mestre Yoda faz sentido. “Faça ou não faça, tentativa não há“.

Nós que Aqui Estamos Por Vós Esperamos | Marcelo Masagão | ?? 1999

Esse é um filme recente na minha lista de favoritos, porque meu amor pela História foi reafirmado há pouco tempo. Foi nesse filme que encontrei a bela tristeza de observar nesse documentário a transformação do século 20. Dentro da história a questão do tempo é bem mais intrigante do que um De Volta Para o Futuro, mesmo que ame esse filme também. O diretor Masagão retrata bem isso, desde do seu título ao retrato real da história por imagens e frases que moldaram um mundo de maneira tão rápida e lenta simultaneamente quando se assiste o filme.

Moulin Rouge | Baz Luhrmann | ?? 2001

O amor sem cinismo, o amor apaixonado, o amor amor. “Amor é oxigênio”, diz o protagonista interpretado por Ewan Mcgregor. O poeta, o boêmio, se apaixona por uma cortesã que descobre o amor além de uma noite. Numa sensualidade absurda com um musical confrontante com quem tem algum desvio com o gênero, Baz Luhrmann iniciou o século XXI matando anacronismos ou imposições temporais. Com Medley, com o tempo clássico e músicas modernas de Cristina Aguilera, é o musical que vai buscando o amor eterno, que valha a pena de maneira que nem é possível acreditar que ainda existe. Esse foi um dos filmes que minha irmã me apresentou e não canso de me apaixonar outra vez pela superação moral, o conserto humano em prol do amor vivo em cada cor vermelha.

The Incredibles | Brad Bird | ?? 2004

“Nós Somos Super-heróis, o que pode acontecer?“. A frase da Helena é conflito apoteótico do filme, verbalizado numa cerimônia de casamento. Eis um filme que vai desestruturar e reestruturar as instituições, a civilidade e o heroísmo num mesmo pacote dramático e reflexivo sobre como o incrível é bem mais que os poderes, é a família unida e conhecedora de si mesma. Sem dúvida um filme favorito para um ser como eu que valoriza a família como uma célula mater genuína, não como um artifício sociológico ou desculpa conservadora para defender politicagem. Mesmo dentro de uma dinâmica estadunidense, em Os Incríveis os princípios familiares são exercitados com louvor dentro da cultura nerd de super-heróis, dos quadrinhos a seriedade da vida civil.

Spider-Man 2 | Sam Raimi | ?? 2004

Fiquei na dúvida se Corpo Fechado não seria um representante melhor entre meus filmes favoritos para retratar o heroísmo e o meu amor pelas HQs. Só que Sam Raimi, diferente de Shymalan desvendou como pegar as artes de Alex Ross e transformar em cinema. Não apenas isso, pegar a antiquada dramaticidade de Stan Lee e o aspecto dos anos 60 e 80 do heróis e transpor o princípio ali para perspectivas atemporais do heroísmo do aracnídeo. O tempo passa e Homem Aranha 2 vai se tornando melhor, não porque os tempos são difíceis e é bom lembrar do herói que nos salva, e sim porque o Peter Parker é o que cara que vence os momentos difíceis, mesmo quando sua história termina triste no olhar de Mary Jane. Favorito da vida.

Crazy, Stupid, Love | Glen Ficarra, John Requa | ?? 2011

As comédias em geral são confortáveis, mesmo aquelas que te deixam com vergonha por uma comédia absurda demais para deixar os olhos abertos. Mas o que me encanta com esse filme de um elenco recheado de estrelas é como a coincidência confortável se revira numa explosão cômica de quebrar a expectativa na forma de atuação do conjunto. Até hoje fico perplexo como a risada permanece mesmo sendo tudo previsível, nas conexões tão involuntárias, nas paixões descontroladas que vão se acertando para compreender os verdadeiros amores. Eis a magia de um bom filme de comédia, não apenas uma cena, mas o filme continuar sendo tão engraçado como a primeira vez, como se a quebra de expectativa, o humor, nunca morresse em cada experiência.

The Great Dictator | Charlie Chaplin | ?? 1941

É um tanto irônico que o grande filme de Chaplin para mim seja de sua fase “pós-Carlitos” – um dos personagens mais importantes e fundamentais da história do cinema. Mas a história do barbeiro judeu, sósia do ditador da Tomânia – Adenoid Hinkel –, foi fundamental em minha adolescência, quando eu estava estudando a história do século XX e a barbárie nazista. Foi uma experiência inesquecível assistir a uma obra produzida naquela época e já notar a argúcia de Chaplin ao desvendar não só o crescimento do monstro, mas também um dos melhores antídotos para neutralizá-lo: o humor que transformava mitos em “tigres de papel”.

Ikiru | Akira Kurosawa | ?? 1952

Com forte sabor tolstoiano, o filme do diretor japonês Akira Kurosawa é um manifesto poderosíssimo sobre a responsabilidade individual frente à existência. O funcionário público que protagoniza o longa-metragem faz uma travessia kafkiana pela vida terrena e, após o diagnóstico de uma doença terminal, passa a refletir sobre a morte e sobre a sua obra em vida. A melancólica cena do balanço permanece como uma das minhas prediletas dentre tudo a que já assisti. Quando penso no tema da finitude no cinema, é ela que sempre me vem à mente.

Dr. Strangelove | Stanley Kubrick | ?? 1964

Após assistir aos dois maiores arrasa-quarteirões kubrickianos, 2001: Uma Odisseia no Espaço e Laranja Mecânica, decidi experimentar a faceta mais rara do rigorosíssimo diretor – a da comédia satírica. O que encontrei em Dr. Fantástico foi um dos dois melhores exemplares do gênero no cinema. Cenas como a da máquina de coca-cola são hilárias ainda hoje, pois ironizam o capitalismo com a mesma atualidade daquela época. Peter Sellers, vivendo três personagens, é hors concours. Mas o grande momento do filme para mim permanece sendo a cena do cowboy montado na bomba, composição visual definitiva do alucinado político. Capaz de tudo.

2001: A Space Odyssey | Stanley Kubrick | ???? 1968

Ainda me lembro claramente da emoção que me despertou o início desse filme. Kubrick inicia sua magnum opus de forma instigante – estamos nos primórdios da humanidade, em condições hostis à sobrevivência da espécie. Em meio a caçadas e lutas contra bandos inimigos, um de nossos ancestrais descobre em um fêmur caído no chão uma ferramenta e uma arma para vencer seus adversários. O momento em que o hominídeo descobre nossa primeira tecnologia é impulsionado pelos harmônicos da introdução de Assim Falou Zaratustra, de Richard Strauss, poema sinfônico baseado na obra homônima de Friedrich Nietzsche. Para mim, do começo ao fim, esse é o ápice a que o cinema chegou. A arte em estado de glória.

Apocalypse Now | Francis Ford Coppola | ?? 1979

Apocalypse Now foi um dos filmes que mais tempo eu levei para digerir. É, em tudo, um filme de guerra nada convencional. Após assisti-lo duas ou três vezes, pude concluir que ele transcende muito o próprio gênero e a temática que se coloca a priori. Por não ser exatamente um filme sobre a guerra, como afirmo decididamente em minha crítica, ele se tornou o meu “filme de guerra” favorito por se debruçar brilhantemente sobre um ponto que me interessa muito mais que o conflito em si – a barbárie contida em cada um de nós. Uma vizinha que nos olha pela fresta da porta. Além de tudo, uma das mais cinematografias prediletas.

Raging Bull | Martin Scorsese | ?? 1980

A história do boxeador Jake LaMotta é um dos auges da carreira de Martin Scorsese. Contando com a interpretação monumental de Robert De Niro no papel principal, o diretor nova-iorquino constrói uma fábula sobre poder, ascensão e queda de um homem. A fotografia em preto e branco é das mais belas que conheço e o famosíssimo monólogo do protagonista dentro de sua cela escura, em um jogo de luzes e sombras sublime, é um dos grandes momentos da carreira de Scorsese. Foi, decididamente, o filme do norte-americano que mais me impressionou.

Dogville | Lars von Trier | ?? 2003

Dogville foi o primeiro filme de Lars von Trier a que eu assisti. Fui motivado especialmente pelos comentários de colegas que enalteciam as peculiaridade do longa-metragem, especialmente seu cenário minimalista e brechtiano. O que encontrei foi um filme de conteúdo bastante complexo, mas que, seguindo uma tradição de ceticismo iniciada em Europa, batia pesadamente na ideia do bem e da salvação pela política. Dogville é uma experiência única para qualquer cinéfilo e comigo não foi diferente. Mas vou além. Para um cético como eu, encontrar na tela um ceticismo tão bem abordado e destilado com tanta acidez é algo que o torna especialíssimo.

Das Weisse Band | Michael Haneke | ?? 2009

O trabalho precioso de Michael Haneke com seus quadros estáticos e com a brutalidade imaginativa do extra-campo me impactou em A Fita Branca como em nenhum outro de seus filmes. Acompanhar o nascimento desse mal dentro de uma pequena vila do início do século XX é algo que recomendo a todos os cinéfilos. Tantos filmes já foram realizados sobre o nazismo. Alguns verdadeiramente brilhantes, como O Ovo da Serpente, de Bergman e Os Deuses Malditos, de Visconti. Mas A Fita Branca, exatamente por falar do nazismo sem tratar diretamente dele, é uma inspeção histórica que me causou muito maior espanto. Um dos filmes mais assustadores que conheço. De um dos meus diretores prediletos de hoje e de sempre.

Melancholia | Lars von Trier | ?? 2001

O que dizer de um prólogo construído por uma super câmera lenta e impulsionado pelos cromatismos da abertura da ópera wagneriana Tristão de Isolda? O início de um filme grandioso de Lars von Trier, que consegue manter o tom grandiloquente até o fim para tratar do vazio. Vazio que pode nos ameaçar a existência, como um planeta maldito na iminência de colisão com a Terra, mas que pode ser valioso num processo de esvaziamento de significados que, em uma instância psicanalítica, nos salva de nossas piores neuroses. Essa dimensão só me ocorreu após escrever a minha crítica para o site. Vendo o filme mais uma vez. Por me impelir sempre a renovar minha própria leitura da obra, não poderia deixar de incluir aqui o mais esteticamente deslumbrante de todos os filmes do dinamarquês – o sadiano Melancolia.

Vertigo | Alfred Hitchcock | ?? 1958

Já sabia da fama, e já gostava muito de Hitchcock antes de conhecer, mas jamais imaginaria o quão impressionante seria a experiência, tanto que assisti em companhia amorosa – algo que normalmente evito quando vou conhecer clássicos desse porte –, e poderia ter atrapalhado, mas fui tão hipnotizado e agarrado pela atmosfera transcendental do diretor, que eram apenas o filme e eu ali. E foi necessário somente uma vez para ele entrar nos meus favoritos, e uma segunda revisitada para figurá-lo possivelmente num top 3 da vida.

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Se Meu Apartamento Falasse